混音 Mixing 的基礎觀念（中）

上次跟大家介紹了「混音」的大致目的與概念，這次我們將對混音中的Pan、空間感與動態來做討論。處理聲音最重要的還是靠耳朵仔細聆聽，文章中介紹的技巧或原則都只是參考，需要視情況適當調整，但還是期待這系列文章能讓有興趣入門者有個切入的方向。

（文章內容參考自The Mixing Engineer Handbook）

[Panorama-假想聲音的位置]

Panorama通常縮寫為Pan，在Stereo的狀態下，讓聲音在左、右聲道中調整位置，以達到把音軌錯開、增加清晰度、避免樂器互相干擾等目的。正確使用Pan的功能，可以讓聲音更寬大、音場更深；當然，就像混音中其他元素一樣，Pan的調整方式並沒有絕對的對錯，要視實際情況來判斷；這邊提供一些基本可依循的原則：

[混音常見區域：中央、極左、極右]

在混音中有三個區域最常出現：中央、極左跟極右。

中央是最容易被注意到的位置，通常會留給vocal、大鼓、小鼓、Bass等等，雖然讓大鼓跟bass緊密相連是現代音樂製作中常見的技巧，但在早期錄音中卻不那麼普及，1960年代中期Stereo技術剛問世時，把樂團跟主唱分別pan在相對一邊也時有所聞。這是因為stereo對當時的錄音跟混音技術來說，還是種全新的、未確定的格式，所以Pan旋鈕在當時混音Console上還沒有出現，僅有一個三段式的開關，用來指定該音軌送至左邊、右邊的輸出（或是左右都有，就像是在中間一樣）。

然而音樂元素被極端pan到某一邊時，會造成了一些技術上的問題，如低頻在某一側被增加太多時，不平衡的低頻能量會影響唱盤（早期LP、SP等黑膠）的製作。解決方式只有平衡兩邊的低頻，或把bass、大鼓等等有著大量低頻的樂器pan到中間。

[Big Mono]

近年商業音樂與舞曲的發展，讓混音師的主要任務，逐漸變成要讓音樂成品聽起來更為巨大、寬廣，而最簡單的方式，就是把聲音pan到極左極右。雖然聲音乍聽之下似乎變得更明顯，但實際上卻會造成"Big Mono"的問題。

當一個混音中，有大量Stereo source被pan到極左跟極右的情況下，其實並沒有增加音場，反而因為所有聲音都塞在同樣位置，而破壞了每個音軌的定位與深度，所有聲音相互重疊，反而失去了立體的空間感。在混音的過程中，要把聲音Pan到極左、極右或中間，需要一個適當的理由。有些人在拿到一些聲音素材時(例如合成器音色加上一些stereo的效果)，就直覺地將其pan到極左跟極右，希望讓襯底音色能盡可能聽起來更寬更大，最終將導致一場頻率分佈的災難。如果再把大鼓、小鼓與人聲都放到中間，就會發現所有音軌頻率間互相干擾；如果這些聲音能被看見，  它們將互相遮掩，讓人無法分辨哪些在前、哪些在後。

而解決方法，是把這樣的Stereo素材其中一邊捨棄，找一個位置放置它，以製造出自己的音場定位，而非Pan到極左跟極右。例如可以把左邊的聲音素材Pan到十點鐘方向，而把右邊的素材Pan到四點鐘方向，這種做法會讓整體聲音定位更清楚、立體，若有需要，可以再加上一些效果讓聲音更符合我們期待的音場。讓所有樂器有自己的位置，才能讓所有東西聽起來像是契合在一起的。

[在Mono中聆聽]

有些混音師，會在混音的後半段於Mono跟Stereo間切換聆聽，藉以檢查相位一致性、Panning與樂器是否平衡。

（關於相位，可以參考另一篇文章）

當Stereo mix被合併為mono時，所有的反相因素將會產生抵消，降低整個音量，甚至可能造成某些聲音消失，所以有些混音師會在mono中重新確認樂器的平衡，檢查有沒有哪些樂器互相遮蓋了。因為在Stereo的狀態下，尋找一個精確的動態平衡相當困難，因此混音完成後，最好是能在不同監聽系統、不同的環境中聆聽成品，確保混音後的結果能適應不同的播放情境。

[Dimesion-聲音的體積]

聲音的體積大小，也就是聆聽者會接受到的空間感，通常在錄音時便會受到影響，但現今在混音階段，大多會加上一些效果來改變原始的空間感，例如加上reverb、delay或一些modulation的效果（如chorus或者flanger等等）。

在混音的時候改變聲音原始的大小，通常是為了製造一個聆聽的空間感，或者增加特別的味道，讓聲音聽起來更寬大或更深遠。一般來說，我們會想像一個表演者所在的空間，例如酒吧、房間、演唱會的場地等，然後重新做出一個空間感包圍原始的聲音。

小一點的reverb或者較短的delay，可以讓聲音聽起來變大一些；當Reverb的decay小於1秒，而delay小於100ms時（實際使用時可能會用比上述更小的數值），會製造出一個小空間包裹著原始聲音素材，讓聲音聽起來較原本寬大。有時為了讓reverb更符合需要，會在reverb上加EQ調整頻率，而EQ的原則就如之前所提到，一切還是依靠你的耳朵來判斷。

這邊有一些在音場上的建議可以提供給大家

• 利用頻率來將Reverb分層，較長的Reverb伴隨著較亮的頻率，較短的reverb伴隨較暗的頻率。
• 比起把Reverb Pan到極左及極右，有時可以試試不同的Pan法。
• 並不是所有Reverb都一定要Send return，視情況直接掛在音軌上也可。
• 使用Reverb把空間感變大，用Delay讓聲音變深。
• 在主要樂器元素上使用較大的Reverb，可讓整體音場融合得更好。
   

而long delay、reverb的pre-delay或reverb decay等參數，如果調整的較為明顯，會讓聲音聽起來距離較深、較遠。如果delay，pre delay大於100ms，聲音聽起來感覺會是從較遠的地方傳來，在使用上就要判斷最後Level的大小。當decay或delay小、leval大聲的時候，聲音聽起來較明顯；當decay或delay長、leval較大時，聲音聽起來較遠。

當Delay time跟曲速同步時，增加效果深度比較不會引起注意；很多混音師會把delay time與拍速Sync起來，讓delay效果更融合在曲中。但這並不表示delay效果一定要跟拍速同步，只是不這樣做，效果會顯得較為突兀、容易被注意，而這也可作為一種特殊效果。Reverb如果能夠跟歌曲速度同步，同樣也會有較融合在曲中的效果。

有時錄音室會採用RE-Amping的方式來改變聲音的環境音，也就是把原本的樂器聲用音箱放出後，重新用麥克風收音，過程中麥克風的種類、收音位置與周遭環境都會影響收到的聲音，改變原本樂器空間感與音質，好壞則因人而異，但聲音一定會跟原始素材有所不同。

[動態（Dynamics）]

控制動態是指讓音量大小維持平均，讓太小聲的被聽見，太大聲的被減弱。在現代音樂不斷要求聲音越大越好及經常使用Compressor壓縮的情況下，「動態」對混音來說變成重要的因素。在混音上使用動態控制器，最主要是為了：

1. 控制動態
2. 增加效果

動態控制的Plug-in，基本上包含了Compressor、Limiter、Gate等，經由這些工具來對音量動態進行控制。經過壓縮的聲音會較為緊實，在輸出階段可讓整體音量往上提升，然而過度的壓縮會使聲音失去活力與表情，若動態範圍過大也容易造成輸出破錶讓聲音破掉，如何拿捏是混音中需要再三琢磨的課題。

[Compressor]

Compressor最主要的控制參數為Threshold跟Ratio。Threshold會決定Compressor在何時開始動作，例如設定在-20dB，表示當音量超過-20db時，Compressor就會進行動態上的壓縮。Ratio基本上類似壓縮的比例控制，假設設定Ratio在4:1，這表示每4db的音量，在超過Threshold設定的門檻時，會透過Compressor的壓縮變成1db；同理，8：1就會變成每8db的原始音量只有1db輸出。

如果以考試分數來舉例，假設某次期末考成績普遍不佳，但仍有少數同學接近滿分，老師希望調整期末考的平均成績同時避免有學生分數破表，這時候Compressor的概念就可以套進來；假設以60分為標準， 超過60分的分數以2:1壓縮，然後再加上20分為調分後的成績，這樣原本60分以下的同學，就等於成績直接加上20分，而70分的同學，調分後會變成60 + (70-60)/2 + 20 = 85分，而100分的同學，則 [ 60 + (100-40)/2 ]+ 20 = 100，仍然維持滿分。在經過compressor壓縮之後，整體數據便可以再往上增益而不會爆音，這便是compressor的常見用途。

大部分的Compressor還有attack及release變數，Attack會決定Compressor多快開始動作，Release則決定壓縮的時間和時結束。有些Compressor還多了Auto mode，讓這兩個參數自動配合音訊的原始動態來變動。

到這邊應該可以了解，動態處理器其實就是執行gain reduction的動作，也就是把音量變小。那為什麼會說，讓聲音變大需要使用這些效果器呢？因為當我們把比較大聲的部份做壓縮後，才有空間把整體音量再往上提升，也就是Make-Up Gain，或Output Gain，來把減少的音量補回來。

[Limiter]

而Compressor跟Limiter最大的差別是在設定的方式，當我們把Compressor的ratio設到10：1以上，就會跟limiter有類似的效果。基本上limit就像一道訊號牆，當音量到達那個門檻後，就只允許原始訊號超過一點點，大部份的音量被強制壓縮在Limiter的範圍中，整個斜率看起來會接近一條水平線。

Limit通常用來保護輸出訊號不致於過大，導致喇叭，或者音量過大造成的問題。而有些混音師也會在bass上使用，讓bass的動態不至於過大，讓混音變得容易一些。

[Gate]

Gate就像一道門，是透過threshold來控制門的開關，來決定訊號通過與否。可以用來讓聲音只有在我們希望的時間發出來，也可以用來消除一些串音的問題，例如：錄鼓的時候，我們需要的只有One shot，只有那一聲小鼓聲，或是只有那一聲大鼓，但是小鼓mic會收到其他部分的聲音，這時候我們就可以利用gate來消除多餘的聲音，或者可以用來消除一些環境的或amp的雜音，或者可以讓聲音結束的比原始的訊號快。

這裡有一些例子，希望對大家有幫助：

Bass-大部分的bass持續演奏同樣的某些音，並且比其他樂器大聲，有一些又很小聲。我們利用compreesor來讓這些差別減少，使得音量平均一些。
Lead vocal-大部分的歌手演唱每個字及每個旋律線時並不會在同樣的level上，所以有些字會聽不清楚compressor在這種情況下可以讓每個字都被聽見
大鼓或小鼓-有些時候鼓手不會每一下都打的一樣。compressor可以讓聲音強度比較接近。而Gate可以避免鼓組中的延音影響到下一個聲音出現造成混淆的狀況。
把Compression當成效果使用時，也可完全改變聲音，透過適當的設定，還讓聲音聽起來更靠近、更有侵略性與刺激感。

在調整compressor時，過快的Attack反而會減少原始訊號的Punch，而太長的Release會讓Compressor壓縮到下個訊號的出現。因為Attack跟Release會強烈的影響到聲音的變化，所以我們可以用最慢的attack，最短的Release開始設定，慢慢的將attack加快，直到感覺樂器聲開始「變鈍」，就先停在這個點，接著將Release time慢慢增加到下一個聲音出來之前，避免壓縮到下個聲音，最後跟整體混音進行比較看看設定是否合適，目的是讓Compressor的運作就像呼吸一樣自然。

此外，Compreeor會讓主要頻率被壓縮較明顯，因為主要頻率包含了聲音中較大部份的能量，因而被壓縮的比例就越多。越少的壓縮量（6db或更少）對於動態的損害就越少，但是這並沒有一個一定的方式，有時候我們也會對於電吉他或者鼓、人聲進行大幅度的壓縮，端看實際情況而定。

以下來介紹一些壓縮使用上的小技巧：

• 小鼓：通常我們會使用gate，讓小鼓只有在被敲擊時發出聲音，並把小鼓訊號作為side-chain的輸入來控制其他軌的音量，使它不受到大鼓或其他聲音的影響。
• 人聲：大概3:1到4：1都是適當的起始ratio，Attack可以從慢到快，而Release從快到慢，並設定Threshold讓Gain reduction大概在4到6db左右。
• Bass：有時可使用limiter設定Threshold，讓Gain reduction約略在3dB或4dB左右，讓bass在混音中站的更穩。
• 吉他：較高的ratio例如8：1或10：1，通常可以起很好的作用，要注意Threshold需設定在不會讓吉他被中斷的位置，並且把Attack跟Release配合拍速進行設定。
• 對整組節奏組進行壓縮：在一個bus上使用stereo的compressor，並於整組鼓的音軌間使用bus做效果的send return，有時也可包含bass。接著，讓compressor進行比較強的壓縮，至少10db的reduce。並增加一些高低頻（6∼10db在10k及100Hz左右）到被壓縮的訊號中，最後於混音中調整compressor的輸出音量。這樣可以使節奏組整體聽起來更大並更容易控制，卻不會有過度壓縮的問題。

以上是一些資訊與心得的整理分享，希望對大家在混音上有所幫助！