科技是否定義了電子舞曲？上

    我們時常能聽到舞曲音樂人或樂迷說著類似這種話：「我不在乎使用什麼媒材，我只在乎我的音樂在音響裡聽起來如何。」然而這種主張令人匪夷所思，因為在其他的藝術形式中，從繪畫至電影，不論其創作過程或是呈現，其中的媒介與工具都是時常令人討論的。我們絕不會忽略二十世紀中期色面繪畫使用當時最流行的壓克力顏料；也不會忽略奧立佛·史東（William Oliver Stone）在同一部電影中使用不同電影格式。這些藝術所要表達的精神與使用的技法、媒材息息相關，而電子舞曲難道能不受這些事物所影響？

    新的科技是否能夠再一次像 80 年代的 303 激起風靡至今的 Acid House？更重要的是我們試著瞭解更多音樂製作人對於他們所選創作工具的真實想法。為了分析科技對音樂的影響，我們找來七位製作人，詢問他們使用的媒材是如何限制或是解放他們自身，進而影響他們的音樂創作。

富家哲 SATOSHI TOMIIE 
（電子音樂老手，自80年代起引領著 house 音樂的脈動）   

　我認為電子舞曲會受科技與它的限制所影響，尤其是大量使用硬體器材創作旋律與節奏的音樂人。科技影響著音樂的結果，然而科技造成的限制也增加了在音樂創作過程中的趣味。就像「鼓機」原本是拿來代替真實的鼓組、初學的鼓手，但事實上聲音卻與真鼓相去甚遠，而這個限制反而成就今日電子音樂的樣貌。

    Acid House 誕生於 80 年代中期，當時人們還正發掘著能夠讓他們使用的電子樂器。Roland TB-303 在這時被創造來取代 bass 手，但聲音和電 bass 毫不相像。這就是當時科技的限制，卻也讓他變得更有趣。現在，我們可以在電腦的音源庫聽到與真實非常相近的 bass 音色，但除了代替真實的 bass 之外，我不認為你會在音樂創作上使用他們。

    Acid 的律動雖隨處可見，但在當時可是革命性的創舉。TB-303 原本的設計也非如此使用，會造成如此的結果也是「誤用」所致。而將來是否還會有其他器材被誤用而造成革命性的概念？我想還是有可能的，但現今的我們比 Acid House 誕生時受到了更多的限制，因為現在我們有過多的選擇與科技。

    我為當時無法利用有限的科技實現我的想法感到沮喪，但這些限制也造就現在的我。至少對我而言，限制有時對於創造是件好事。當你了解你所要的，且知道如何實現時，無限的可能性對你是有幫助的。但限制會使你多想一些、挑戰自我。擁有過多的選項往往只會不知從何開始。

    Jupiter-8 是我最近購入的機器，對我新專輯的創作有很大的啟發，幾乎在每一首歌都有使用它。這台琴原先設計有 DCB，可利用 MIDI Converter 從電腦控制它。可惜我這台的 DCB 在它到我手上時已經幾乎壞了，因此我只能手動使用我 Jupiter-8，但卻也在現場表演中多了份真實的感覺，因為沒有使用任何的序列器。幸好現在的我們使用 DAW ，不然在當時使用多軌磁帶與取樣機可真是個噩夢。我也喜歡使用內建的琶音器，在新專輯的第一首歌是由 JP-8 琶音而來。

    我現在終於學會最棒的軟硬體結合方式。老式的機器使用起來雖然有趣，但存在許多限制，而軟體提供老機器更多的空間。我與我的機器就如同一個完美的團隊，有些成員待了三十多年了，新或舊的機器現在都得到了一個新的位置。舊的器材因為有硬體與功能上的限制，因此已經不用一段時間了，但將他們結合新科技的錄音技術後，我進入創作的另一境界。

AVALON EMERSON
（白天進行軟體研發，晚上則為打破各廠牌界線的DJ）

    整個音樂發展的歷程會隨著科技的里程碑而演進。AM 電台的出現改變了流行歌曲的結構，麥克風使人聲更溫和、更能搭配喇叭的演奏，卡帶的舞曲取樣可以被重新編輯，303 展開 Acid，Dj 使用 12 寸黑膠與唱盤。最近的例子是大家開始在音樂作品的開頭十五秒內，使用一些炫麗的 Hook（一般指嚷嚷上口的旋律），使聽眾不在 Sound Cloud 上把這首歌切掉。

    對我而言，唯一的限制就是我耳朵所能得到的細節與我控制的能力，反而不是在 Max for Live 或是後製錄音室中。至少在創作過程中我不需要一步步學習 20 種不同使用者介面的曲線。

    在網路世代，電腦和免費的盜版軟體帶令我們進入虛擬的無限可能，從我開始創作時就是如此，但顯然沒有停止一直流行的地下舞廳場景。老實說我不記得我上一次為新鮮的事物感到驚訝是什麼時候。我不喜歡為了創新而創新，對我而言「新鮮感」從來都不是重點。

    在虛擬無盡的時代，在創作時是有相當大的挑戰。作曲時，我會在「意外的驚喜」與用來補強它的想法間達到平衡。我個人喜歡快速的寫好一首歌，之後再慢慢花時間雕琢和修改。

    我習慣使用 Ableton Push，它大量減少從即興、編曲到完成一首歌的時間。但我也從來不是一個器材狂熱者，大部份的點子都是從我想達成的事情而來，即使到最後與我當初想的截然不同。

    組合一些看似愚蠢的取樣，或試著模仿一首我喜歡的歌，都是我創作的來源。做這些歌只是增加些經驗與做練習，它們不見得會全部公諸於世。令我最驕傲的一首歌也是在我用有最少的資源下完成。受限於兩個大鼓音源與五音軌的限制，對我來說這就是簡約音樂（minimal）。" Honest Gangster " 是我最棒的混音（Mixing）之一，這也是我下一個自我鍛鍊與器材購買的方向：全曲混音。

    今年的目標是建造一個實體的工作室與工作場所（包括實體的與軟體使用環境） ，因此我可以將一段取樣轉換為更契合我的想法的成品。對我而言，當我看不見一段取樣的走向時，硬體與軟體是最棒的工具。我有一個新的混音是幫 XL（唱片廠牌）的 Shamir，我在用 Max 附加的合成器之前，用了一個瘋狂的疊合琶音，老實說再加上去我不知道會發生什麼事，而我也無法重新去創作這樣的東西，這是一個出於硬體意外而產生的令人開心的點子。

YOUANDEWAN
（英國製作人，目前正在柏林廠牌，Aus 與 Secretsundaze 製作 Deep House 音樂)

    我認為只要花足夠的時間，堅持不懈，音樂的創造力是無止盡的。音樂形式的演進，同時受新與舊所影響。而談到創作時使用的工具，那些無止盡的合成器、效果器和 Plug-in，每個器材都聲稱自己優於其他。但事實是，它們都在做相同的事。

    我在做音樂的時候，傾向喜歡快速的 Jam、很即興的隨意嘗試，直到我意外的做出一些聽起來還不錯的東西。
    
    或許 Secretsundaze 是我有史以來做過最有趣的一張 EP，它是一張粗糙鬆散的專輯，當時還沒有達到滿意的地步就發行了。

    我覺得真的要等到自己經驗夠了、能將所有器材作為一個整體來使用時，才能做出令自己真正滿意的音樂，而不是非要緊握每個器材的所有用法，鑽牛角尖每個細節。我知道從搞懂那些「盒子」，到建立起一套應用的規則，讓它們能夠像在軟體上一樣流暢的運作，需要花很多時間和努力才能達成。當然還有很多其他的要素需要考量，不過整體來說我覺得如果把過程慢下來，你花的時間長短和做出來的作品品質，不一定會成正比。

    意料之外的驚喜經常帶來很大的愉悅。因此對我來說，有趣的點子從即興而來，這些「愉快的意外」往往就是一首歌的基礎。

    有一點建議是我從 Mike Huckaby 那所得來的：學習只使用一組套件，直到你把她所有的可能性都試了出來。這會幫助你學習合成與了解你所擁有的。我曾經在尋找一台磁帶機，最後發現了一個模擬卡帶的 Plug-in，給了我類比的聲音。這改變了我做事的方式，了解類比結合數位是如此方便，而且不相衝突。

    我不認為某些文化會完整的復興，像是 Acid House 。曾經的地下 House 與 Techno  場景將不再出現，但 EDM 只是對某些白癡的文化營利，這源自於糟糕的流行音樂產業，因此不適用。而新的事物還有很多，他們會在對的時機不斷的出現。

    本篇文章翻譯自 Attack Magazine : CORRELATIONS & CAUSATIONS: DOES TECHNOLOGY DEFINE DANCE MUSIC?